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martes, 23 de mayo de 2017

Letra hermosa

Tu que puedes vuelvete



Soñe que el rio me hablaba
Con voz de nieve cumbreña
Y dulce, me recordaba
Las cosas de mi querencia.

Tu que puedes, vuelvete ...
Me dijo el rio llorando.
Los cerros que tanto quieres,
-me dijo-
Alla te estan esperando.

Es cosa triste ser rio
Quien pudiera ser laguna ...
Oir el silbo del junco
Cuando lo besa la luna ...

Que cosas mas parecidas
Son tu destino y el mio:
Vivir cantando y penando
Por esos largos caminos.

Tu que puedes, vuelvete ...
Me dijo el rio llorando.
Los cerros que tanto quieres,
-me dijo-
Alla te estan esperando.

Tu que puedes, vuelvete ...
Tu que puedes, vuelvete …






Checha 23 de mayo de 2017

domingo, 30 de noviembre de 2014

DE PENDIENTES EN CADENA

DE PENDIENTES EN CADENA



Canción infantil

SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR
SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR


VAMOS A BUSCAR AL LOBO
PARA QUE SAQUE A LA CHIVA
VAMOS A BUSCAR AL LOBO
PARA QUE SAQUE A LA CHIVA


EL LOBO NO QUIERE SACAR A LA CHIVA
LA CHIVA NO QUIERE SALIR DE AHI


SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR
SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR


VAMOS A BUSCAR AL PALO
PARA QUE LE PEGUE AL LOBO
VAMOS A BUSCAR AL PALO
PARA QUE LE PEGUE AL LOBO


EL PALO NO QUIERE PEGARLE AL LOBO
EL LOBO NO QUIERE SACAR A LA CHIVA
LA CHIVA NO QUIERE SALIR DE AHI


SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR
SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR


VAMOS A BUSCAR AL FUEGO
PARA QUE QUEME AL PALO
VAMOS A BUSCAR AL FUEGO
PARA QUE QUEME AL PALO


EL FUEGO NO QUIERE QUEMAR EL PALO
EL PALO NO QUIERE PEGARLE AL LOBO
EL LOBO NO QUIERE SACAR A LA CHIVA
LA CHIVA NO QUIERE SALIR DE AHI


SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR
SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR


VAMOS A BUSCAR AL AGUA
PARA QUE APAGUE EL FUEGO
VAMOS A BUSCAR AL AGUA
PARA QUE APAGUE EL FUEGO


EL AGUA NO QUIERE APAGAR EL FUEGO
EL FUEGO NO QUIERE QUEMAR EL PALO
EL PALO NO QUIERE PEGARLE AL LOBO
EL LOBO NO QUIERE SACAR A LA CHIVA
LA CHIVA NO QUIERE SALIR DE AHI


SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR
SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR


VAMOS A BUSCAR AL SOL
PARA QUE EVAPORE EL AGUA
VAMOS A BUSCAR AL SOL
PARA QUE EVAPORE EL AGUA


EL SOL QUIERE EVAPORAR EL AGUA
EL AGUA QUIERE APAGAR EL FUEGO
EL FUEGO QUIERE QUEMAR EL PALO
EL PALO QUIERE PEGARLE AL LOBO
EL LOBO QUIERE SACAR A LA CHIVA
LA CHIVA YA SALIO
Y QUIEN LA SACO? UNA MOSQUITA


SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR
SAL DE AHI CHIVITA CHIVITA
SAL DE AHI DE ESE LUGAR

| Enviada por: nicolsooon (1) | | Corregida por: nicolsooon |

http://www.youtube.com/watch?v=Js2LmwzjBB4


Checha, 30 de noviembre de 2014

miércoles, 1 de enero de 2014

ZARZUELA: LUISA FERNANDA

LUISA FERNANDA


Según me cuentan, adoraba esta zarzuela desde que tenía tres años.
Hoy la sigo adorando.
Os regalo la versión de Plácido Domingo, claro.

http://www.youtube.com/watch?v=wqR70AYGJlY

http://www.youtube.com/watch?v=QNQintuQZ7s

ARGUMENTO

Sinopsis 
El argumento estriba en una historia de amor con avatares, pues Luisa Fernanda está enamorada de Javier, su novio de siempre, pero luego ante la inconstancia y vanidad del mismo, oye las pláticas de Vidal, y finalmente ante la desgracia de Javier vuelve a él, con la generosidad de Vidal. Todo ello enmarcado en un ambiente algo histórico, en que se combina la conspiración, el madrileñismo y lo extremeño; es curioso pero es el caso más claro que conozco en que parte de esta zarzuela sirva como símbolo de Madrid (por ejemplo la mazurca de las sombrillas) y parte como emblema de Extremadura (como los vareadores o el “cerendero”). A mi entender en Luisa Fernanda ocurre lo que en la mayoría de las zarzuelas, en que la música está muy por encima del libreto. En este caso la música es encantadora y se acopla a los distintos “ambientes” antes mencionados. Aunque (como decía el Guerra) “hay gente pa to”, y así vemos como el Diccionario de la Zarzuela señala que la música va “desde la mayor torpeza hasta verdaderos aciertos”, llamando torpeza al primer número de la obra que contiene una pequeña introducción, un cuadro costumbrista (mi madre me criaba pa chalequera) y la habanera del soldadito, y francamente no comparto esa crítica. Es preciosa la romanza de Javier “De este apacible rincón de Madrid” tan aprovechada por los tenores como luego veremos, impactante el dúo de Vidal y Luisa Fernanda “En mi tierra extremeña”, primoroso el de Carolina y Javier “Caballero del alto plumero”, deliciosa la mazurca de las sombrillas, picaresco el dúo de Carolina y Vidal “Para comprar a un hombre”, vibrante el terceto “Cuanto tiempo sin verte” y dramática y apasionada la romanza de Vidal “Luche la fe por el triunfo”. Y que decir del final de la obra: la romanza con coros de Vidal “En una dehesa de la Extremadura” tan sentida en esa querida tierra, o el conmovedor dúo final de Luisa Fernanda y Javier, para terminar con la pieza regional “el cerendero”. Hay un fado “lorito real” que sólo lo he oído en la versión de Selica, Redondo y Arregui que luego detallo. 

Índice de escenas 

Zarzuela en tres actos, con los siguientes números musicales: 

Acto I: 1. Escena “Mi madre me criaba pa chalequera” y habanera del Saboyano “Marchaba a ser soldado”. 2. Romanza de Javier “De este apacible rincón de Madrid”. 3. Dúo de Luisa Fernanda y Vidal “En mi tierra extremeña”. 4. Dúo de Carolina y Javier “Caballero del alto plumero”. 

Acto II: 5. Mazurca de las sombrillas “A San Antonio como es un santo casamentero”. 6. Dúo de Carolina y Vidal “Para comprar a un hombre”. 7. Terceto “Cuanto tiempo sin verte Luisa Fernanda”. 8. Romanza de Vidal “Luche la fe por el triunfo”. 9. Escena “Muera el prisionero, muera sin piedad”. 

Acto III: 10. Los vareadores “En una dehesa de la Extremadura”. 11. Dúo final de Luisa Fernanda y Javier “Cállate corazón”. 12. Final “El Cerandero se ha muerto”.

(http://lazarzuela.webcindario.com/RES/r_luisafernanda.htm)

 ¡que la disfrutéis!

Checha, 1 de enero de 2014

miércoles, 4 de diciembre de 2013

FERNANDO ARGENTA, EL HOMBRE MAGO

Fallece Fernando Argenta a los 68 años

El presentador de 'El conciertazo' fallece tras una vida dedicada a la divulgación de la música clásica





Fernando Argenta El músico y periodista Fernando Argenta, impulsor de programas de divulgación de la música clásica como 'El Conciertazo' y 'Clásicos Populares', ha fallecido a los 68 años de edad. Fernando Argenta, hijo del director de orquesta Ataúlfo Argenta, compatibilizó su carrera de Derecho en la Universidad Complutense con los estudios superiores de Música en el Real Conservatorio Superior de Música. Tras formar parte del conjunto de rock Micky y Los Tonys (1960-1965), entró en 1971 en Radio Nacional de España, donde en 1976 creó el programa 'Clásicos Populares', que cumplió 32 años ininterrumpidos en antena hasta 2008. Entre 1986 y 1989 fue también director de Radio 3 y Radio 1, de Radio Nacional de España. Igualmente, desde el año 2000 y hasta su prejubilación en 2008 dirigió y presentó en TVE el programa hermano'El Conciertazo', centrado en acercar la música clásica a los más jóvenes. Además de su faceta como conferenciante y escritor, destaca su labor de difusión de la música clásica entre los niños, realizando un promedio de 80 conciertos anuales. Entre los numerosos premios que ha recibido cabe destacar dos Ondas, el de Montecarlo, tres APEI de Radio y de Televisión, tres Premios de la Música de la SGAE, siete ATV de la Academia de Televisión, uno de los Premios de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid, Micrófono de Oro, dos Antenas de Oro, el premio Unicef Comité-Español 2008 por su fomento de la cultura en defensa de los derechos de la infancia, y el de Medios de Comunicación y Mención Especial de Educación de la Confederación Andaluza de APA. Está también en posesión de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

FUENTE: NOTICIARIO MSN


viernes, 22 de noviembre de 2013

QUEDA LA MÚSICA




QUEDA LA MÚSICA




“La música es la voz del alma. Un gran tesoro, que ni se compra ni se vende, solo se tiene”
Checha




No se me ocurre mejor definición de la música , esa que dicen “amansa a las fieras” (¡comprobado!), y fue mi profesor de solfeo, D. Ginés Abellán, el que me enseñó de alguna manera esto, no precisamente con palabras, sino con su capacidad de sentir y transmitir la música, su vida.
Conozco a muchos, muchísimos (no sólo personalmente, sino a través de sus obras) cuyo ser es fundamentalmente música. No menciono a nadie por temor a olvidar a alguno, lo que sería gran agravio para él/ella y para mí.
   Se compran/piratean/venden, CDs, discos de vinilo, todo tipo de aparatos reproductores,....., pero no la música, que es inmanente a su creador y capaz de impregnar a algunos espíritus receptores.
¡Viva la música y vivan los que tienen la suerte de estar tocados por esta gran diosa!
Y os dejo con esta reflexión cantada, titulada, sentida, por LUIS EDUARDO AUTE.
¡Que la disfrutéis!





Checha, 22 de noviembre de 2013

sábado, 21 de septiembre de 2013

DAVID GARRET DESCUBIERTO POR MILAMAMI

DAVID GARRET, UN TALENTO DESCUBIERTO POR MILAMAMI





Milamami, abreviemos, Mila, es fuerza bruta, es pasión profunda y valiente, es amor incondicional por aquello en lo que cree. Y CREE. Cree en la vida, cree en las múltiples posibilidades que tiene todo ser vivo de ser poderoso grano de arena constructor de inmensas montañas alzadas hacia el infinito cielo, cuyo reflejo también podría hundirse en el infinito infierno. Dos caras de una misma moneda para dos visiones del mundo.
http://www.ineemi.com/html/images/wallpapers/min2_2013061916084625204478

  La suya, la constructora, que eleva, que inclina su lomo para sostener o cargar, si es preciso, ese pesado bloque lunar, mientras rie alto. Una risa que es música, melodía a la POTENCIA. Potencia que es vida y descubridora de vida.

También podemos imaginar el reflejo fantasmal que podría hundirse en el mismísimo averno. No es el infierno el que condena, el que empuja hacia su interior. Es el presuntuoso Narciso, que, enamorado de sí mismo, autocomplacido en su miserable y “apolíneo” ser, es arrastrado por la fuerza del ensimismamiento, acercando cada vez más su rostro hacia el reflejo de su “perfección” virtual, hasta ser tragado por el fango, por el mismo padre que lo engendró.


 Goya nos muestra esa negra visión de Saturno devorando a su propio hijo. La imagen más depravada de la naturaleza, creadora, pero también implacable con sus abominables exterminadores.

Pues bien, Mila ha descubierto una vez más, nos ha regalado una nueva gema musical para nuestra montaña estelar…..

viernes, 20 de septiembre de 2013

EL ÚLTIMO CONCIERTO. LA FUGA.

EL ÚLTIMO CONCIERTO. LA FUGA


TRAILERS Y VIDEOS
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-189440/trailers/todas

BEETHOVEN, CUARTETO PARA CUERDA N.14, OPUS 131
https://www.youtube.com/watch?v=BmyoO3O8Wng

A VUELA PLUMA, CRÍTICA

Crítica: ‘El último concierto’, de Yaron Zilberman: drama humano sostenido por el trabajo de un gran cuarteto actoral Written by Carlos Campanario | 28 August 2013 | .

El último concierto de Yaron Zilberman drama humano sostenido por el trabajo de un gran cuarteto actoral Seth Grossman Yaron Zilberman Philip Seymour Hoffman Mark Ivanir Catherine Keener Christopher Walken Imogen Poots

“…esta cinta, que analiza las relaciones que se perfilan entre los componentes de un prestigioso cuarteto de cuerda neoyorquino, quienes tratan de separar lo personal de lo profesional durante años hasta que las tensiones latentes, los miedos y los rencores estallan cuando ven que el grupo que tanto han sacrificado por mantener íntegro se desmorona sin remedio al diagnosticársele al miembro más viejo y fundador del cuarteto (Christopher Walken) los primeros síntomas del parkinson. Éste decide comunicar al resto su decisión de retirarse tras un último concierto, si la medicación funciona, momento que aprovecha el segundo violín (el siempre estupendo Philip Seymour Hoffman) para proponer alternarse con el primer violín (Mark Ivanir), destapando así las inseguridades de su matrimonio con la violista del cuarteto (Catherine Keener) y su propio complejo de inferioridad. A partir de aquí, la película va en aumento hasta un espléndido último acto que eclosiona en una escena final a ritmo de cuerda y lágrimas, forjada con las excelentes interpretaciones contenidas de los cuatro actores, que sólo con la mirada y con la expresión del rostro son capaces de hacer buen cine.

Tras veinticinco años juntos, el cuarteto de cuerda La Fuga, cuyos miembros han asumido sus diferentes roles (tanto en el grupo como en su esfera personal) a costa de sus propias ambiciones individuales, comienza a desintegrarse. Este ejercicio de estilo se levanta sobre las interpretaciones de cada uno de los miembros del cuarteto, destacando especialmente las actuaciones de Philip Seymour Hoffman, excelente, y del más desconocido Mark Ivanir. El primero interpreta al segundo violinista, quien está casado con la violista del cuarteto (Keener) y carga con un gran sentimiento de frustración y complejo de inferioridad sabiendo que su propia mujer no le reconoce el talento suficiente para ser primer violinista (lo que se traduce en una compleja metáfora que se desarrolla a lo largo de toda la narración, conectando las relaciones puramente profesionales con las personales). Ivanir también está estupendo, construyendo un personaje contenido, introvertido, que a lo largo de su carrera profesional ha decidido sacrificar su propia vida sentimental para dedicarse en cuerpo y alma a la música, obligándose a tener cada instante calculado, medido y planeado. Catherine Keener está más que correcta, y también tenemos a Christopher Walken, quien cambia su habitual registro interpretativo para adoptar un personaje al que nos tiene tan poco acostumbrados como a sí mismo, y eso se le nota, se le ve que, pese a su gran capacidad como actor, no acaba de sentirse del todo cómodo, o suelto, pero eso no importa porque le viene de perlas al personaje, que se ve obligado a cambiar de rol tras veinticinco años acostumbrándose a un tipo de vida, y su rostro cetrino deja reflejar su propia incomodidad.

Esta película está trabajada de forma casi minimalista, cubriendo cada esquina, cada posible grieta, no dejando nada suelto y sin hilar, llena de metáforas y conexiones que envuelven a los personajes, cada uno con su propio universo personal, genialmente interpretados todos ellos, y todo al compás del Opus 131 en Do sostenido menor de Beethoven. Pero no todo son palabras amables: un guión quizás excesivamente serio ralentiza la narración, que insiste en el drama y en, quizás, exagerar algunos puntos, haciéndonos ver casi como tragedias lo que son meras vivencias personales. Demasiado sobria (como le insiste el segundo violinista al primero, carece de toda improvisación y pierde en sentimiento porque mide su trabajo al milímetro, en cada detalle), aunque lo cierto es que el resultado es una bellísima metáfora que, además, se ofrece a mostrarnos con mucho atino cómo es el trabajo diario de los profesionales de la música”.

Lo mejor: Las excelentes interpretaciones (especialmente Philip Seymour Hoffman y Mark Ivanir) dan vida a personajes muy bien escritos y construyen una metáfora bellísima que da sentido a la película, que transcurre a ritmo de la mejor música clásica.

Lo peor: Narración lenta, pesada y entorpecida por la ausencia de acontecimientos o vuelcos de trama, aunque esto no tiene por qué ser algo malo según el momento. Algunas escenas se alargan demasiado, lo cual puede provocar la ilusión de una narración estática.


Veredicto: Muy buena película que se levanta sobre el trabajo de cuatro grandes actores que dan lo mejor de sí para construir una metáfora sobre las relaciones personales y profesionales. Una bocanada de buen cine para no ahogarnos entre tanto blockbuster veraniego.

Director: Yaron Zilberman
Guion: Seth Grossman, Yaron Zilberman
Reparto: Philip Seymour Hoffman, Mark Ivanir, Catherine Keener, Christopher Walken e Imogen Poots.

LA CRÍTICA DE SENSACINE
Disonancias del arte y la vida
Por Mario Santiago

La íntima compenetración entre el arte y la vida podría considerarse como el tema por antonomasia del cine. En el fondo, en su subtexto, todas las películas abordan los intricados nexos que se establecen entre el arte de la imagen y el arte de vivir. Sin embargo, hay films que juegan a poner dicha relación –eminentemente turbulenta– en primer plano. Para conseguirlo, el cine ha tendido a buscar un reflejo en el propio cine o también, de forma habitual, en el teatro. Pensemos en películas tan dispares como ‘Empieza el espectáculo’, ‘Vania en la calle 42’ o ‘Qué ruina de función’: todas analizan el devenir de sus personajes a partir del estudio de su arte. Y eso es justamente lo que se propone ‘El último concierto’ tomando como eje temático el ámbito de la música clásica; más concretamente, el singular universo de los cuartetos de cuerda; y afinando todavía más, la compleja interpretación del Opus 131 en Do sostenido menor de Ludwig van Beethoven.

La pieza en cuestión, conocida como el Cuarteto de cuerda nº14, obliga a sus intérpretes a mantenerse compenetrados durante más de 40 minutos sin pausa alguna. Un tema para virtuosos que se convierte en la perfecta metáfora de la tensa relación que se establece entre los cuatro músicos protagonistas de la película que nos ocupa. Y ahí encontramos el centro neurálgico de ‘El último cuarteto’: las disonancias que van surgiendo en el tema musical, y que deben ser reajustadas sobre la marcha por los intérpretes, hallan su reflejo en las disonancias vitales (relacionales) que emergen entre los protagonistas. Además, hay que tener en cuenta que en el caldero de egos susceptibles que es un cuarteto de cuerda las rencillas surgen por doquier. Unos conflictos que van de la tragedia personal (el luto, la enfermedad) al melodrama sentimental (infidelidades, amores ilícitos) y que conforman un guión al que no le hubiese venido mal alguna disonancia más, algún desequilibrio profundo. Pese a la pirotecnia dramática, en ‘El último cuarteto’ todo parece demasiado controlado, un academicismo o perfeccionismo que sirve al buen hacer de los músicos, pero que cuando hablamos de un relato fílmico suele desembocar en una narración demasiado acartonada y previsible.
Y, sin embargo, la película consigue cobrar vida. Un mérito que recae en unos intérpretes que aportan al conjunto todo tipo de inputs favorables. Está la melancolía interiorizada de Christopher Walken, que se olvida momentáneamente de la deriva autoirónica de su trayectoria y se centra en dar vida a un hombre comprometido con la vida de su arte y con el arte de la vida. Por su parte, Phillip Seymour Hoffman hace lo que mejor sabe hacer: deslumbrar en cada escena y en cada registro. ¿Que toca caminar por la cuerda floja de la emotividad? Ahí está Hoffman para pasearse por el borde del llanto. ¿Que toca mostrarse rencoroso y autoritario? Entonces surge la bestia interior de este actor pletórico. Aunque lo más destacable del film en materia actoral es seguramente la simple y llana presencia de Catherine Keener, una actriz que con el tiempo se ha ido liberando del histrionismo cool que la convirtió en un icono del cine indie. Observar su rostro sereno y lleno de arrugas nos sitúa ante un espejo en el que encontramos retratado el paso del tiempo: encomiable proceso de maduración.
Por último, vale la pena recordar una escena que reúne lo mejor y peor de esta película desigual. La escena en cuestión está protagonizada por Christopher Walken, que se sienta en el comedor de su apartamento a escuchar un vinilo en el que resuena la poderosa voz de su esposa muerta. La mirada perdida de Walken, dominada por la nostalgia, al borde de las lágrimas, se erige en un monumento a la emoción genuina, una puerta abierta a todo un universo de recuerdos invisibles. Pero entonces, Yaron Zilberman, que debuta como director de un film de ficción, decide mostrarnos un contraplano en el que aparece el espectro de la esposa. La magia intangible de una mirada destrozada por un truco narrativo (la aparición fantasmal) que aquí resulta chapucero, una agresiva concesión a la obviedad. Cara y cruz de un film estimable e irregular”.

martes, 13 de agosto de 2013


LA MÚSICA DE LOS ÁNGELES. MOLINA SÁNCHEZ



Ángeles de grandes alas, que se extienden hacia el infinito, como la música, cruzando la frontera de alienantes micromundos.
ASTOR PIAZZOLLA
La muerte del ángel:
La resurrección del ángel:
Milonga del ángel:

Checha, 17 de abril de 2013

miércoles, 10 de julio de 2013

REPOSARÉ MI MENTE EN TU RECUERDO...

REPOSARÉ MI MENTE EN TU RECUERDO......


Reposaré mi mente en tu recuerdo......
me sonreirá tu boca,
alegre y con deseo,
te sonreirá la mía
que atrevida querrá besarte.
Reposaré mi mente en tus ojos de nácar,
mirada de luz,
que me da la vida,
me construye,
me alimenta.
Reposaré mi mente en mi deseo......
deseo de tocarte......
dulcemente......
para despertarte......
para despertarme......
y amarte......
y amarnos......
continua caricia......
sin pausa......
sin prisa......
cobijarte en mis brazos......
envolverte con mi ternura......
abrazarte...... 
sentir tus latidos......
y sentir tu ALMA......

MILA

miércoles, 26 de junio de 2013

JOAN BÁEZ, EXTRAORDINARIA

JOAN BAEZ



Su atronador torrente de voz, peculiar, auténtico, entrañable (de sus entrañas sale y a mis entrañas llega y ha llegado desde siempre), acalla mis palabras y enciende mi canto, un canto a la valentía, fuerza, esfuerzo y solidaridad rebelde de una mujer EXTRAORDINARIA.
LA MODA PASA, ELLA NO PASARÁ.

Biografía
(Nueva York, 1941) Cantante folk estadounidense. Figura clave del movimiento de la canción protesta en Estados Unidos durante la década de 1960, sus inicios musicales se orientaban hacia el bel canto, a causa de su voz portentosa, aunque acabó abandonándolo para dedicarse a la música popular. Su fama estuvo muy vinculada a su activismo político, el cual le valió algunas estancias en la cárcel. Su oposición a la intervención estadounidense en Vietnam, su lucha contra la discriminación racial y sexual y el apoyo constante al tercer mundo tuvieron un claro reflejo en su música. Play Me Backwards es considerado por la crítica como el mejor disco de su carrera. Sus primeras canciones fueron temas compuestos por Bob Dylan, por quien la cantante sentía una gran admiración, aunque ya en la década de 1970 Baez se lanzó a componer temas como Diamonds and Rust.
Joan Baez
Hija de un médico mexicano y de una profesora de literatura, la juventud de Joan Baez transcurrió en los campus de diversas universidades. En Boston aprendería a tocar la guitarra, y cantó asiduamente en el Cabo 47 de Cambridge. Su extraordinaria voz, que acompañó con simples y eficaces acordes de guitarra, eran los rasgos distintivos de un estilo que se popularizó tras su actuación de 1959 en el Newport Folk Festival y la grabación de su primer disco, Joan Baez, en 1960.
Su tema We shall overcome, extraído de Joan Baez in Concert, su tercer álbum, se convirtió rápidamente en la canción protesta paradigmática de la época. Baez contribuyó decisivamente al despegue de Bob Dylan, versionando muchas de sus canciones y presentando al cantautor en sus recitales. Considerados las máximas figuras de la canción protesta, vivieron juntos durante dos años, entre 1963 y 1965. Dylan reflejó esta relación en el tema Visions of Johana; Joan Baez, diez años más tarde, haría lo mismo en su álbum Diamonds and Rust.

En 1976 grabó Gulf Winds, uno de sus mejores trabajos, compuesto en su integridad por temas propios. Baez desplegó una intensa actividad por los derechos civiles en el Movimiento Americano contra la guerra del Vietnam, no solamente mediante su música, sino también fundando entidades como Humanitas, una organización internacional pro derechos humanos, y el Instituto para el Estudio de la No-Violencia (1965).

Dejó testimonio de su lucha en dos autobiografías, Daybreak (1968) y And a Voice to Sing With (1987). Posteriormente su figura fue perdiendo actualidad, aunque ha sabido mantener su carácter y popularidad.

viernes, 14 de junio de 2013

LA BOCA DE LA VERITÁ

LA BOCA DE LA VERITÁ


La Boca de la Verdad (Bocca della Veritá) es una enorme máscara de mármol de fama mundial, de la que se cuenta que mordía la mano de aquél que mentía.
La legendaria escultura de enormes dimensiones, cuenta con un diámetro de 1,75 metros, está dedicada al Dios del Mar representado por un rostro masculino con barba, con los ojos, la nariz y la boca perforados.
Según cuenta la leyenda
Un marido que desconfiaba de su esposa la llevó ante la Boca de la Verdad para comprobar su fidelidad. La mujer reaccionó fingiendo un desmayo y su amante la recogió en sus brazos. Después de esto, la mujer juró ante la Boca de la Verdad que sólo había estado entre los brazos de su marido y del hombre que acababa de recogerla.
Esta es tan sólo una de las muchas leyendas que existen sobre la famosa escultura que, con el paso de los años, continúa generando una enorme expectación.

La escultura se encontraba situada en la Plaza de la Bocca della Veritá hasta que en 1632 fue trasladada al exterior de una de las paredes de la cercana Iglesia de Santa María in Cosmedin,  de Roma lugar en el que continúa hoy en día.


Es muy común ver bastante gente haciendo cola para fotografiarse con la mano
dentro de la Boca de la Verdad.



martes, 28 de mayo de 2013

IMAGINA

IMAGINA


Sigamos con el apaciguante mundo de la utopía y su delirio, que imagino interesará sólo a unos pocos.

“Sólo un loco es capaz de asesinar la pacífica locura de la utopía”
                                                                   Checha
John Lennon
(Liverpool, 1940 - Nueva York, 1980) Cantante y músico británico, fundador del mítico grupo The Beatles, un cuarteto que formó en la ciudad de Liverpool junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr y que se ha convertido en una referencia indiscutible de la historia de la música moderna. John Winston Lennon nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940, mientras los aviones nazis bombardeaban la ciudad. Su padre, llamado Alfred, era un marino que visitaba poco el hogar, hasta que desapareció por completo. Luego fue su madre, Julia Stanley, la que desapareció, dejando el niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary.
Fue ella quien enseñó a John los primeros acordes en un viejo banjo del abuelo de éste. Liverpool era entonces una ciudad portuaria que se hallaba en plena decadencia. Con una población heterogénea, la vida allí no deparaba grandes alegrías. Sin embargo, el constante trajín originado por el tráfico marítimo también tenía sus ventajas: en el equipaje de los marinos procedentes del otro lado del océano llegaban abundantes discos de country y rhythm and blues, que se incorporaban inmediatamente a la innata afición de los liverpoolianos por la música.
John creció escuchando discos de Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles y Buddy Holly, ilustres representantes de las corrientes musicales de aquella época. Durante unos años estudió en la escuela de Bellas Artes y al cumplir los quince resolvió sus dudas entre la pintura y la música a favor de ésta última. En 1956 conoció a un muchacho que, como él, sólo se sentía plenamente realizado con una guitarra en las manos: James Paul McCartney. Con Paul formó su primer grupo amateur, The Quarrymen, dando comienzo a un período de aprendizaje acelerado de los ritmos del rock and roll.
John y Paul se dedicaron a componer sus propias canciones como si se tratara de un entretenimiento. Dos años después se les unió George Harrison y se atrevieron a actuar en algunos pequeños locales. Se denominaron   sucesivamente  Johnny and the Moondogs y The Nurk Twins. Fueron tiempos difíciles: la madre de John murió en 1958 atropellada por un policía borracho franco de servicio y el escaso peculio del muchacho desapareció por completo. A lo largo de 1959, John buscó trabajo infructuosamente y vivió como un parado más. Pero su vitalidad, su juventud y su amor por la música hicieron que no perdiese la esperanza.
A principios de 1960 el grupo renació con el nombre de Long John and the Silver Beatles, prolijo nombre que se redujo a The Silver Beatles antes de quedarse en The Beatles. El término provenía de un juego de palabras inventado por el propio Lennon: el grupo de acompañamiento de Buddy Holly se llamaba The Crickets (saltamontes) y John se inspiró en ellos para mezclar el término musical beat, característico de toda una generación, y la palabra beatles (escarabajos).
Los Beatles
John, Paul y George, junto con algunos músicos profesionales, iniciaron una gira por Escocia como acompañantes de Johnny Gentle, un cantante de segunda fila. También pusieron fondo musical a los movimientos de una bailarina de strip-tease y aceptaron viajar a Alemania para tocar en varios locales del barrio chino de Hamburgo. Cualquier cosa era mejor que buscar algún trabajo, aburrido y mal remunerado, en Liverpool. Más tarde, de vuelta a su ciudad natal, se convirtieron en el grupo habitual de The Cavern, club subterráneo donde pudieron exhibir las tablas adquiridas durante sus peculiares giras.
En 1961, el propietario de una tienda de discos llamado Brian Epstein los descubrió en ese antro. Fue una revelación; aunque no tenía ninguna experiencia en ese terreno, Epstein se ofreció como mánager a cambio de un 25 por 100 de los ingresos. A partir de ese momento, la carrera de los Beatles se disparó hacia el éxito. Con la incorporación como batería de Ringo Starr en 1962, el grupo ya estaba completo y preparado para hacer frente a lo que se avecinaba: la más loca vorágine de triunfos y gloria.
Sus canciones, editadas por el sello EMI, empezaron a copar las listas de superventas. Los conciertos de los Beatles provocaban escenas de histeria entre las groupies y la policía se veía incapaz de contener a la juvenil masa vociferante. La "beatlemanía" se difundió por Europa, luego por Estados Unidos y más tarde llegaría al resto del mundo, incluidos los países socialistas.
Las piezas de los Beatles, compuestas en su mayor parte por John y Paul, se caracterizaban por los hallazgos melódicos y armónicos, dentro de lo que después se ha llamado el "sonido Liverpool". Además, los miembros del grupo se distinguían por un nuevo estilo en la indumentaria y el corte del cabello y por una actitud alegremente desafiante, protagonizada en especial por Lennon: en las conferencias de prensa y las entrevistas, aquellos muchachos tomaban el pelo a sus interlocutores y se manifestaban como tipos ingeniosos, divertidos y despreocupados.
McCartney era el apuesto romántico, Harrison el serio y Ringo el gracioso de la banda. En cuanto a Lennon, ejercía de rebelde con inquietudes y era sin duda el más incisivo. Después de ser nombrados, en 1965, Caballeros de la Orden del Imperio Británico, John desencadenará una escandalosa polémica con una de sus célebres frases: "Los Beatles son más populares que Jesucristo". Éxitos, drogas, disputas y reconciliaciones se sucederán a lo largo de los años sesenta. Y también películas, entre otras A hard days night y Help!, ambas dirigidas por Richard Lester.
Brian Epstein falleció en 1967 por sobredosis de barbitúricos. Lennon contrajo matrimonio en Gibraltar al año siguiente con la japonesa Yoko Ono, enigmática mujer cuyo nombre significa "Hija del Océano". Ambos hechos fueron jalones de una separación anunciada. Problemas financieros, celos artísticos entre John y Paul, deseos de crear sin el lastre de acomodarse al grupo... todos estos elementos decretaron la disolución del conjunto en abril de 1970. Lennon pronunciará el epitafio del grupo y de la llamada "década prodigiosa" con otra frase escueta y expresiva: "El sueño se ha acabado".
A lo largo de los años setenta, mientras sanan las heridas de la ruptura con la reconciliación pública de John y Paul, circulará periódicamente el rumor de una próxima reunión. Varios empresarios llegarán a ofrecer sumas fabulosas para congregarlos en un escenario, pero todo será en vano: cada uno vuela por su cuenta, libres ya del yugo de los Beatles. Para Lennon, los años setenta iban a ser de una enorme vitalidad. Por un lado, se convirtió en un activista del pacifismo. Las fotos de su luna de miel en la habitación de un hotel de Amsterdam, donde aparecía desnudo con su esposa en un gesto de elemental naturalidad, dieron la vuelta al mundo.
Con Yoko había formado la Plastic Ono Band y con ella publicó una docena de discos de larga duración. Su talento como compositor y letrista siguió manifestándose en temas como "Give peace a chance", "Power to the people" o "Some time in New York City". Pero su éxito indiscutible fue Imagine, un elepé intensamente personal, editado en 1971, que contenía la canción del mismo nombre cuyo texto llegaría a ser todo un manifiesto pacifista en aquella década conflictiva.

viernes, 3 de mayo de 2013

EN ALGÚN LUGAR, SOBRE EL ARCO ÍRIS


SOMEWHERE OVER THE RAINBOW
http://www.youtube.com/watch?v=8zPtFZMRtJ4



LETRA DE LA CANCIÓN:
EN ALGÚN LUGAR SOBRE EL ARCOÍRIS
MUY ALTO
Y LOS SUEÑOS QUE HAS SOÑADO
ALGUNA VEZ EN UNA CANCIÓN DE CUNA
EN ALGÚN LUGAR SOBRE EL ARCOÍRIS
PÁJAROS AZULES VUELAN
Y LOS SUEÑOS QUE HAS SOÑADO
LOS SUEÑOS DE VERDAD SE VUELVEN REALIDAD
ALGÚN DÍA DESEARÉ EN UNA ESTRELLA
DESPERTAR DONDE LAS NUBES ESTÁN LEJOS DEBAJO DE MÍ
DONDE LOS PROBLEMAS SE DERRITEN COMO GOTAS DE LIMÓN
MUY ARRIBA DE LAS CHIMENEAS ES AHÍ DONDE ME ENCONTRARÁS
EN ALGÚN LUGAR SOBRE EL ARCOÍRIS PÁJAROS AZULES VUELAN
Y LOS SUEÑOS A LOS QUE TE ATREVES, ¿OH POR QUÉ, OH POR QUÉ NO PUEDO?
BUENO, VEO ÁRBOLES DE VERDE Y
ROSAS ROJAS TAMBIÉN
LAS VERÉ FLORECER PARA TI Y PARA MÍ
Y PIENSO PARA MÍ MISMO
QUÉ MUNDO TAN MARAVILLOSO
BUENO, VEO CIELOS DE AZUL Y VEO NUBES DE BLANCO
Y LA BRILLANTEZ DEL DÍA
ME GUSTA LO OSCURO Y PIENSO PARA MÍ MISMO
QUÉ MUNDO TAN MARAVILLOSO
LOS COLORES DEL ARCOÍRIS TAN BONITOS EN EL CIELO
ESTÁN TAMBIÉN EN LAS CARAS DE LA GENTE QUE VA PASANDO
VEO AMIGOS DÁNDOSE LA MANO
DICIENDO: "¿CÓMO ESTÁS?"
ESTÁN EN VERDAD DICIENDO: "YO... YO TE AMO"
ESCUCHO BEBÉS LLORAR Y LOS VEO CRECER
APRENDERÁN MUCHO MÁS DE LO QUE
NOSOTROS SABEMOS
Y PIENSO PARA MÍ MISMO
QUÉ MUNDO TAN MARAVILLOSO
ALGÚN DÍA DESEARÉ SOBRE UNA ESTRELLA
DESPERTAR DONDE LAS NUBES ESTÁN LEJOS DEBAJO DE MÍ
DONDE LOS PROBLEMAS SE DERRITEN COMO GOTAS DE LIMÓN
MUY ARRIBA DE LAS CHIMENEAS ES AHÍ DONDE ME ENCONTRARÁS
EN ALGÚN LUGAR SOBRE EL ARCOÍRIS RUMBO ARRIBA
Y LOS SUEÑOS A LO QUE TE ATREVES, ¿OH POR QUÉ, OH POR QUÉ NO PUEDO?
                                                              



PRECIOSA CANCIÓN Y MARAVILLOSO VÍDEO, CON EL VUELO DE COLIBRÍES EN IMÁGENES RALENTIZADAS, EL MOVIMIENTO DE LAS FLORES A CÁMARA RÁPIDA, LOS COLORES DEL ARCO IRIS Y LA NATURALEZA......

http://www.youtube.com/watch?v=VgQ1fItJ7Qo

Somewhere Over The Rainbow - Israel Kamakawiwo Ole - (subtitulada en español)




sábado, 30 de marzo de 2013

REQUIEM


REQUIEM


¿QUÉ CONSIGUE EL REQUIEM DE MOZART EN MI?REVOLVERME EL ALMA 
por MILAMAMI

Escuchado incansablemente, 
hasta la saciedad, 
que aunque me sacie no me cansa,
y vuelvo a buscarlo y a beber de sus notas,
para que me revuelva el alma,
me exalte y me calme,
me arranque del dolor,
repose mi melancolía,
me inyecte su fuerza.
Cantan las voces: "salva me fons pietatis",
como un dulce eco en mi cabeza,
en mis entrañas.
Los instrumentos marcan el "confutatis",
remolino arrollador,
el "lacrimosa" lo detiene.
Y llegan los recuerdos
de "la mamma morta"
como cantaba "La Callas".


¡¡¡Madre, ya no puedo sostenerte en mis brazos!!!.
Música que te hace 
traspasar el umbral, 
universo de los muertos
que ya no lo están,
porque brillan en el otro lado,
viven y nos esperan.
Requiem de vida,
mágicos acordes,
¿cómo es posible que la belleza me hable?,
Mozart tocado por la gracia,
"Salva me, salva me"
ámame, ámame,
pero lo que más me llena es
AMARTE,
AMARTE CON TODA EL ALMA.

MILAMAMI.



En este vídeo del Requiem dirigido magistralmente por Leonard Bernstein, hace él mismo una introducción, habla en alemán, y para los que no lo parlamos, los subtítulos están en italiano, así que es muy entendible, y nos explica que es en honor a su mujer Felicia, fallecida hacía diez años en ese momento de 1988. También lee una carta de Mozart dirigida a su padre Leopold.
Maravilloso el final, ya que nada más terminar, repican las campanas, Bernstein estático, no se ha vuelto, para no incitar al aplauso, no saluda para no romper el silencio, besa y agradece a cantantes y músicos, mientras se retira acompañado por el recogimiento de todos.

Y la Callas canta como nadie "la mamma morta".

MILAMAMI


Wolfgang A. Mozart - Requiem K626. Año 1988


La Mamma Morta - Subtitulado en español (audio y texto)